Tal como prometimos a principios de este mes que ya está a punto de terminar, vamos a dedicar una sesión a una breve muestra de la obra del francés Henri Troyat, de cuyo nacimiento se cumplió el día primero de noviembre el primer centenario. Henri Troyat, autor del que dijimos que a pesar de vivir en el siglo XX escribía con el estilo de la literatura realista de la segunda mitad del XIX, demuestra un perfecto dominio de dicha técnica en los relatos cortos que traemos a colación para esta entrada: los que componen La sonrisa de Eva.

Publicado en Francia en 1964 y en España en 1966 bajo el sello de la editorial Plaza & Janés, en una traducción a cargo de J. Ferrer Aleu, La sonrisa de Eva (en francés Le geste d’Ève) es una colección de nueve relatos que son nueve joyas. Con argumentos muy sencillos y hermosas descripciones, y sin peripecias ni experimentaciones en la narrativa —sencillez que, en efecto, caracteriza en parte el estilo decimonónico—, el autor desarrolla nueve historias con personajes entrañables hacia los cuales el lector siente una cercanía extraordinaria, una complicidad que no se ve truncada por la brevedad de los textos, lo cual es un logro. Personajes como Ginette Parpain, Marcel Lobligeois, Maurice Ballotin, Madame de Montcaillou o Ernest Lebeauju son algunos de los protagonistas de estos pequeños fragmentos de Historia, anécdotas que tratan desde temas íntimos (la virgen manicura de cuarenta años que se enamora de uno de sus clientes), temas psicológicos (la misantropía de Ernest Lebeauju), hasta temas universales como la muerte desde sus distintas vertientes (el sacrificio de Bouboule, la soledad de Maurice Ballotin).

Todos los argumentos, pues, tienen esa sencillez característica de las historias decimonónicas, donde lo más importante es el discurso: en este caso, el discurso es una narración que mantiene un tono idéntico en cada frase y que conduce al lector por los entresijos de las vidas íntimas de los personajes. La sorpresa de que un cuadro muestre la identidad de dos personas en un rincón donde antes no había nadie; la emoción de ver una sonrisa que pique los billetes del metro y que luego no se acuerde de su cliente; el extraño suceso de que las campanas de una iglesia suenen por sí solas y un demonio se lleve a una persona; todos estos descubrimientos no serían nada sin la narración de una voz que siempre es la misma y siempre se adapta al tono necesario de cada asunto.

Si tuviera que escoger entre uno de los relatos, dudaría entre el suspense de «El mejor cliente», la explosión final del «Regreso de Versalles», la innombrable sorpresa de «Mármol de imitación» y las casualidades de «La sonrisa de Eva». No sabría con cuál quedarme, porque todos los relatos incluidos en este volumen merecen la pena, cada uno por un motivo diferente. De manera que para introducir al lector en la obra de Henri Troyat, puede ser muy útil esta pequeña colección, que no abarca sino 150 páginas llenas de emoción desde la primera a la última. Una lectura muy recomendable.

La obra de Marcel Proust (1871-1922) está considerada como una de las cumbres de la literatura universal. En busca del tiempo perdido, uno de esos libros de vital importancia, se compone de siete volúmenes con unas tres mil páginas en total, todo un desafío si se le suma a tal cantidad la profundidad de cada párrafo y el detenimiento con que hay que afrontarlos. En esta ocasión comentaremos la primera parte de la obra: Por el camino de Swann (en la traducción de Pedro Salinas), compuesta de tres grandes episodios: «Combray», «Unos amores de Swann» y «Nombres de tierras: el nombre».

«Combray» relata los recuerdos de infancia de un Marcel Proust que presiente su muerte. El escritor deja constancia de sus vivencias en Combray, en casa de sus abuelos, cuando aún sentía la necesidad de recibir el beso de buenas noches por parte de su madre, pasaje de unas treinta páginas que fue la causa del rechazo editorial. Estos recuerdos vienen provocados por la famosa madalena: el Proust adulto, al probar el sabor de una madalena mojada en té, evoca las sensaciones de su niñez, cuando su tía le daba a probar ese manjar que desde entonces se ha convertido en el fruto de la memoria. Así pues, este sabor que irá emparejado con la evocación de Proust, como los nombres o los sonidos más adelante, abre la que es una de las novelas que desafiaron los cánones de la narrativa.

Un personaje de capital importancia es Carlos Swann, protagonista no sólo del segundo capítulo, sino también de la mayoría de los pocos acontecimientos que se desarrollan a lo largo de la novela. En «Unos amores de Swann» Proust rescata la historia —incluso publicada y tratada de modo independiente, como una novela inserta en el marco principal— de las relaciones de Swann con Odette, a quien conoce en las reuniones con los Verdurin y con la cual disfrutará de deliciosas intimidades. El relato lo hace Proust en tercera persona como quien en sus memorias cuenta una anécdota sucedida a otro, y llega a tal extremo su acierto, que ningún lector dejará pasar este fragmento sin detenerse a pensar en sus amores, porque en alguno de los comportamientos de los personajes encontrará seguro un resquicio de su vida.

Por último, el episodio de «Nombres de tierras: el nombre» abre otra de las pasiones de Marcel Proust: los viajes y el poder evocativo que tienen los nombres de las ciudades que se han visitado o van a visitarse. A causa de su enfermedad, sus padres no le permiten emprender ese tan anhelado viaje. Sin embargo, este tema es uno de los que se desarrollará inmediatamente después, ya en el segundo volumen de la obra.

Así pues, si bien la lectura de sólo un volumen no es nada en comparación con el placer de leer la obra completa, ya en este primer libro se pueden encontrar los temas que se tratarán a lo largo de los otros seis, de suerte que si el lector termina con buen sabor de boca —cosa que aseguro a quienes gustan de la prosa más exquisita— tendrá apetito para enfrentarse a los otros volúmenes, con mucho sosiego, porque merece la pena.

Aprovechando que acaba de llegar a su fin el II Seminario de Literatura Actual, celebrado en el aula magna de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Cádiz durante los días 8, 9 y 10 de noviembre, en los que se ha tratado desde diferentes perspectivas de la obra del sanluqueño Eduardo Mendicutti, vamos a utilizar su propia voz para abrir esta nueva sección que versará sobre las palabras vivas de un autor en relación con su obra, porque no hay nadie mejor que el propio autor para explicar los secretos que los críticos desconocen. Así pues, esta sección, que tendrá por nombre En boca de los autores y que, si nada nos lo impide, se tratará cada sábado, da comienzo con esta entrada sobre Eduardo Mendicutti, un escritor nacido en Sanlúcar de Barrameda (Cádiz) en 1948 y del cual hemos reseñado no hace mucho la última novela, Mae West y yo (Tusquets, 2011).

La entrevista que ofrecemos se celebró con motivo de la publicación, en 2008, de su anterior novela, Ganas de hablar, una novela —que pronto reseñaremos— donde se puede apreciar uno de los rasgos fundamentales de la narrativa de Mendicutti, esto es, el empleo del lenguaje popular hasta el extremo de llegar a oír la voz del protagonista en lugar de leer sus palabras. Les dejo, entonces, con esta entrevista, donde en unos siete minutos tendrán la oportunidad de conocer algunos datos importantes del autor. El video pertenece a la plataforma youtube, para verlo deberán pinchar en el siguiente enlace:

Eduardo Mendicutti

El mes de noviembre parece ponernos ante un periodo de efervescencia en lo que respecta a los homenajes, pues ayer os hablaba del centenario del nacimiento del escritor francés Henri Troyat y hoy os voy a recordar quién era otro escritor de renombre, griego esta vez. Se trata de Odysséas Elýtis, un poeta que la crítica encuadra en la generación de los años 30 y considera como uno de los renovadores de la poesía griega contemporánea. Su vida transcurre entre viajes.

Odysséas Alepoudélis nació el 2 de noviembre de 1911 en Heraclion (Creta), y era el menor de seis hermanos. Con tres años se trasladó a Atenas, donde ingresó en un colegio privado. Con sus primeras colaboraciones para la revista La Formación de los niños, con pseudónimos, le dieron la oportunidad, gracias a su salario, de comprar muchos libros, casi todos relacionados con la naturaleza griega, pero todos componentes del pensamiento universal, que según su propia declaración ya conocía cuando entró en contacto por primera vez con la literatura neogriega, toma de contacto debida a la aparición de dos revistas: El nuevo hogar y Letras griegas. Con el título de bachiller en su poder, se matricula obligado en química; al mismo tiempo lee a Kavafis y a Kalvos, así como se aproxima a la obra de Paul Elard y los surrealistas franceses, que determinan su inclinación definitiva hacia la literatura. En 1930, renunciando a la química, se matricula en Derecho, y mientras estudia conoce la obra de Seferis. Luego se relaciona con el círculo de la revista Nuevas letras, cuyos miembros lo animan a publicar con el pseudónimo de Odysséas Elýtis: así salen a la luz sus primeros poemas en noviembre de 1935. Papanikolau publica en Nuevas letras un artículo titulado El poeta Odisseas Elitis, que lo consagró. Su vida estuvo llena de viajes y reconocimientos a partir de entonces, en especial a partir de 1959, momento crucial de su vida: es la publicación de su obra más importante.

Su bibliografía se compone de poesía, ensayos y traducciones. Un tema importante fue el de la guerra de 1940, que aparece en el Canto heroico y fúnebre por el subteniente caído en Albania (1942) y en El sol primero (1943). Entre sus ensayos, cabe destacar Papeles abiertos (1974), con muchos datos autobiográficos. Con todo, su obra cumbre es To áxion estí, que apareció en un principio publicada por fragmentos en la revista Inspección del arte, y que más tarde, en 1964, formarían un oratorio del compositor Mikis Theodorakis, donde se cantaban los fragmentos de este extenso poema.

Sus reconocimientos más importantes son el Premio Nacional de Poesía, concedido  en 1960 por To áxion estí (Dignum est en la traducción al español) y el premio Nobel de Literatura en 1979, pero también fue nombrado, entre otros reconocimientos, Doctor Honoris Causa por la Universidad de Tesalónica. El 18 de marzo de 1996 estaba en Atenas, la ciudad donde iniciara su aprendizaje, y murió víctima de un infarto.

Tal como nos hemos propuesto con la obra del francés Henri Troyat, a lo largo de este mes trataremos de reseñar algunas obras del poeta griego, para lo cual nos serviremos de una antología de sus poemas, a fin de cubrir, aunque de modo superficial, una parte más amplia de su obra como muestra del todo.

Hoy, primero de noviembre de 2011, se cumplen cien años del nacimiento del escritor francés de origen ruso Henri Troyat, considerado como uno de los grandes del siglo XX con esa escritura tan enamorada del XIX. Es por eso que aquí vamos a brindarle un homenaje que tendrá lugar a lo largo de este mes. Empezaremos por trazar brevemente su biografía, para luego centrarnos en alguna novela.

Levón Aslani Thorosián era el nombre original de este literato que firmaba con el pseudónimo de Henri Troyat. Nacido el 1 de noviembre de 1911 en Moscú, fue hijo de ricos negociantes que durante la Revolución Rusa se vieron obligados a exiliarse en París, por lo que el pequeño Levón, a la corta edad de seis años, ya había salido de su tierra para afincarse en un terreno extraño que sería el que viese su florecimiento y marchitez, en los primeros días de marzo de 2007. Allí estudió Derecho y desarrolló una extensa carrera literaria y una encomiable labor como biógrafo, que lo han convertido en el segundo autor francés más leído, en una lista encabezada por Balzac, uno de sus dioses. Su labor como escritor es destacable no sólo por la amplia variedad de sus textos, sino por la cantidad de producción que llevaba a cabo a lo largo de cada año, siempre marcado por ese estilo que tanto admirara del realismo de la segunda mitad del siglo XIX.

Su amplísima bibliografía se compone de un reducido número de novelas que siguen la tradición intimista y psicológica de la literatura francesa, como es el caso de La araña (1938), con la cual obtuvo el Premio Goncourt; relatos fantásticos como en la colección Fosa común (1939); y sus grandes ciclos de novelas, que son el eje central de su obra, compuesto de títulos como la trilogía Mientras la tierra exista (1947-1950), que narra la historia de una familia rusa desde finales del siglo XIX hasta mediados del XX, La luz de los justos (1959-1963), una colección de cinco novelas sobre la trayectoria de un oficial ruso en la primera mitad del siglo XIX, Siembra y cosecha (1953-1958) y Los herederos del porvenir (1958), entre otras. Además de estas sagas de novelas de tono realista con minuciosas narraciones de la cotidianeidad de los personajes, también son importantes las novelas Iván el terrible (1982), Las luces del alba (una novela sin clasificar) y La sonrisa de Eva (1964). Y por si esto fuera poco, su pasión por los grandes escritores del siglo XIX lo llevó a elaborar las biografías de Tolstói, Dostoievski, Gogol, Zola, Balzac, Flaubert o Baudelaire.Fue aceptado en la Academia Francesa en 1959, justo después de la publicación de su saga Siembra y cosecha, que tal vez sea la más importante de su trayectoria, junto con Mientras la tierra exista.

El proyecto de abarcar un análisis, o a lo menos, una referencia del sentido de estas dos obras es un trabajo de envergadura que nos gustaría afrontar a lo largo de estos días; sin embargo, para empezar escogeremos una de sus narraciones más independientes: La sonrisa de Eva.

Eduardo Mendicutti (1948, Sanlúcar de Barrameda, Cádiz), escritor y periodista, es el paradigma de autor de novela gay, a quien siguen todos los que cultivan ese género literario. A lo largo de su obra ha tratado siempre el tema de la homosexualidad, con frecuencia visto como una atención especial al bicho raro, al ser extraño de la sociedad que en los comienzos de su obra era el homosexual. Su papel en este ámbito es destacable, y la popularidad que han alcanzado sus novelas merece buena atención por parte de la crítica. Novelas como Tatuaje (1973, Premio Sésamo), Una mala noche la tiene cualquiera (1982, Premio de novela corta Ciudad de Barbastro), Siete contra Georgia (1987, finalista del premio Sonrisa Vertical de novela erótica), El palomo cojo (1991, Premio Nacional de Narrativa en 1992) o El ángel descuidado (2002, Premio Andalucía de la Crítica) son las más conocidas de una amplia lista de novelas. Algunos de sus libros, como El palomo cojo, entre otros, han sido llevados a la gran pantalla.

Su última novela, Mae West y yo (2011), refleja al cinéfilo Mendicutti en un discurso de 250 páginas lleno de alusiones a películas, actores, actrices y anécdotas de la vida privada de éstos, referencias que ilustran una narración a dos voces de una historia con un marcado carpe diem entre sus líneas.

Felipe Bonasera, un diplomático y aficionado ventrílocuo, viene a pasar unos días de julio a una urbanización sanluqueña llamada Villa Horacia Village & Resorts, donde se aloja en el chalé ocasionalmente vacío de su primo Jerónimo Hidalgo. Al llegar, se encuentra con un jovencito atractivo que despierta en él un deseo que su miembro más enfermo no puede sentir: Felipe es homosexual y acaban de darle una mala noticia sobre su enfermedad, y por eso se ha venido a pasar unos días a Sanlúcar, dejando en Madrid sus tres muñecas —Marilyn, Marlene y Mae— con las que hacía sus números de ventriloquia. Pero la voz de una de las tres muñecas, la más descarada, la de Mae West, no lo abandona a lo largo de sus vacaciones, hasta el punto de que es una de las narradoras: se trata de su cansado miembro viril, que no deja de entrometerse en su narración.

Asimismo, Felipe siente curiosidad por la vecina de enfrente, la madre del muchacho, cuyo marido ha desaparecido, y gracias a los artículos informativos de Paco Luna en un periódico local sobre el «caso Meneses» se entera de cómo van las investigaciones. Mientras tanto, Felipe, ahora aficionado al fútbol por no tener otro entretenimiento, sigue los últimos partidos del mundial de Sudáfrica, que gana La Roja, sin dejar de pensar en ningún momento en su grave enfermedad y en la muerte.

El lector encontrará una interesante reflexión sobre la vida y la muerte, sobre lo importante que es aprovechar cada momento, máxime si el final se acerca; reflexión que endulza en parte con sus intromisiones, sus bromas, sus críticas a toda la gente como si fueran personajes cinematográficos, la voz -sin pelos en la lengua- de Mae West.

Juan Marsé (Barcelona, 1933) es un novelista español de la Generación de los 50, autor, entre otros libros, de Últimas tardes con Teresa (1966, Premio Biblioteca Breve), Si te dicen que caí (1973, Premio México de novela) La muchacha de las bragas de oro (1978, Premio Planeta) Ronda del Guinardó (1984, Premio Ciudad de Barcelona) y Rabos de lagartija (2000, Premio Nacional de la Crítica y Premio Nacional de Narrativa). La novela de la que hablaremos a continuación, Caligrafía de los sueños, publicada en 2011 en la editorial Lumen, es la primera novela después de su recepción, en 2008, del Premio Cervantes.

Caligrafía de los sueños es al mismo tiempo una novela y una reflexión acerca de la creación literaria. Su protagonista es Ringo Kid, un chico de 15 años que pasa las tardes en la taberna Rosales, regentada por la señora Paquita, siempre en la misma mesa y con un libro entre las manos, mientras golpea con suavidad sobre la tabla con los dedos como si practicase las lecciones de piano que sus padres ya no pueden pagarle. Aprendiz de músico, con vocación de escritor, el joven Domingo observa desde su esquina la incertidumbre de la señora Mir, una masajista que entra todos los días en el bar para tomar dos copas de coñac y preguntar por la carta que debería haberle dejado su amado, el señor Alonso, que se ha marchado sin dar explicaciones. Mientras tanto, Ringo evoca sus experiencias junto a su grupo de amigos, el crecimiento de un niño de la posguerra que, gracias a las amistades de su padre el Matarratas, logró acceder a las salas de cine y se forjó una idea artística del mundo, llena de comparaciones entre la realidad y la ficción que enriquece con sus lecturas.

La novela tiene algunos aspectos muy destacables. En primer lugar, en lo que respecta a la voz narrativa, a primera vista el futuro lector podría pensar que se enfrenta a una historia contada en primera persona por ese chico. Sin embargo, el chico, aunque es protagonista de las vivencias, no cuenta su pasado, sino que es un narrador ajeno quien nos da constancia de las aventuras de su niñez y al mismo tiempo de la situación que vive Ringo en la taberna. Así pues, dos historias se entremezclan: por un lado el crecimiento de Ringo Kid, con sus primeras experiencias estéticas, sus delirios de amor por Violeta, la hija de la señora Mir, cuyas caderas despiertan en él cierta atracción sexual; y por otro la preocupación de Victoria Mir por el regreso de su amado. Dos caminos diferentes que toma la narración y que en un momento se cruzarán. Esta estructura favorece que el lector no se aburra ni de una historia ni de la otra.

En segundo lugar, el otro aspecto a destacar de la novela es su carácter ensayístico sumergido bajo las vivencias de Ringo: desde su infancia, el niño es capaz de transformar su mundo por medio de un solo parpadeo, y cuenta a sus amigos historias inventadas de indios cuyos protagonistas son ellos mismos. Esa elaboración dentro de la novela es lo que muchos autores han hecho a lo largo de la historia de la literatura, y que no deja de ser una teorización sobre el hecho mismo de contar, para el cual Marsé demuestra bastante destreza.

Así pues, Caligrafía de los sueños es una novela que puede gustar a muchos tipos de lectores, pero muy en especial a aquel que haya sentido alguna vez el impulso de transformar la realidad en ficción para huir del sufrimiento. Sin duda, un acierto de recomendada lectura.

Thomas Mann (1875-1955), uno de los novelistas más influyentes del siglo XX, dejó a su paso por el mundo una obra literaria encomiable, merecedora, sin duda, del premio Nobel de Literatura que le fue otorgado en 1929, en gran parte debido al éxito que consiguió con su primera novela, Los Buddenbrook, sobre la decadencia de una familia burguesa. Su obra, considerada imprescindible por muchos lectores y críticos, abarca el relato corto, el ensayo y la novela, si bien en su narrativa ofrece un cóctel de reflexiones que hacen de sus libros una fuente de conocimiento. Los memorables diálogos donde plasma ideas artísticas, estéticas o filosóficas, son de una riqueza inigualable. La novela que comentamos a continuación, El cisne negro, es un ejemplo de ello.

Fue la última novela que completó y se publicó en 1954. Se trata de un texto breve pero lleno de interés en cada página. Cuenta la historia de Frau Rosalía von Tümmler, viuda de un teniente coronel, que en 1920 vive en Düsseldorf con su hija mayor Ana y su hijo Eduardo. Recién cumplidos los cincuenta años, a Rosalía hace algunos meses que no le viene la menstruación, por lo que anda preocupada, baja de ánimos porque ha dejado de ser mujer para convertirse en una vieja incapaz de amar. Pero un buen día, con motivo de instruir a Eduardo en la lengua inglesa para su futura carrera de ingeniero, un joven norteamericano de 24 años, de nombre Ken Keaton, empieza a frecuentar su casa. Rosalía se enamora de él y de pronto vuelve a sentirse mujer, e incluso consigue que la madre Naturaleza la obsequie con el periodo menstrual.

Mientras tanto, esta historia guarda un conjunto de reflexiones acerca de la naturaleza en relación con la vida, la juventud, la felicidad, así como el arte, en concreto la pintura. Ana es pintora y sobre sus lienzos plasma imágenes abstractas que a su madre le cuesta entender, porque una defiende el realismo y la otra es partidaria de la abstracción. Entre esas discusiones, durante largos paseos, costosos porque Ana padece una discapacidad en un pie, madre e hija se toman por confidentes y trasladan el tema de sus conversaciones a niveles personales. Rosalía será quien vaya en busca de su hija para confiarle sus inquietudes para con el joven profesor, y esta será la base de las reflexiones acerca del amor y la juventud, mediante unos diálogos muy vivos, extensos en relación con el resto de la obra.

Thomas Mann consigue, una vez más, por medio de una prosa deliciosa y fuerte, ahora con el sabor añejo de sus últimos momentos de vida, fundir dos artes distintas como son la literatura y la pintura, así como nos da la posibilidad de plantearnos dos veces muchos de los asuntos que nos rodean en nuestra vida diaria en relación con el mundo que vemos.

Por último, cabe decir que esta novela sorprenderá también al lector habitual, que encontrará un discurso de lectura sencilla y amena, no como uno suele esperar al enfrentarse a una novela de este autor. Muy recomendable, en definitiva.

Georges Perec fue uno de los más importantes novelistas experimentales del siglo XX y de la literatura francesa. Nacido en París el 7 de marzo de 1936, perteneció al grupo Oulipo, que fundara Raymond Queneau, cuyos componentes pretendían crear obras mediante una técnica de escritura limitada, en estrecha relación con las matemáticas. Su fama y su gloria literaria y económica vinieron dadas por la publicación, en 1978, de La vie, mode d’emploi (traducida al español como La vida, instrucciones de uso), considerada por muchos la mejor novela de la década de 1975-1985. El autor murió pocos años más tarde, en 1982, víctima de un cáncer de pulmón.

En La vida, instrucciones de uso se confirma la que parece ser una de las grandes reglas de la buena literatura: no siempre es importante la historia que se cuenta. En este caso, más aún: no se cuenta ninguna historia larga en las seiscientas páginas de la novela, sino que la historia es sencillamente la vida en un edificio de París, en cuyas ventanas el lector puede asomarse para descubrir el pasado y el presente de quienes han habitado esas cuatro paredes. Con todo, lo verdaderamente importante de esta obra es la narración, el modo en que se cuentan las historias: un narrador común, omnisciente, que unas veces se dedica a contar las vivencias de una familia dueña de un piso, y otras veces se limita a describir, con una minuciosidad extrema, el mobiliario que forman las habitaciones vacías. De esa manera, Perec elabora un fresco donde cada ventana es un mundo diferente que tiene con las demás la relación existente entre dos casas en un edificio vecinal.

Esta novela, altamente recomendable, supone un desafío para el lector medio, puesto que al no seguir ninguna historia, se asemeja más a un libro de relatos que a una novela; pero no obstante la independencia de sus capítulos –que se pueden leer al azar sin problema–, se puede discernir un argumento principal en el que se traza la personalidad del coleccionista de puzles Bartlebooth y su relación con los demás habitantes del edificio –el doctor Dinteville, Winckler, Foulerot, etcétera–, formando unos antecedentes que desembocan en un emocionante final en la tarde del 23 de junio de 1975.

Uno de los aspectos más importantes de la narración es la distribución de los capítulos. Georges Perec, en honor a Raymond Queneau, a quien está dedicada la novela, utilizó los cálculos matemáticos del problema del caballo para recorrer el edificio ventana a ventana con el movimiento en ele que caracteriza a esta pieza del ajedrez. Así pues, es posible seguir la trayectoria del narrador con un tablero donde cada ventana es una casilla. Esta técnica le sirve al autor para desplegar ese rico fresco de personajes e historias que a lo largo de la novela acompañan al lector con todo tipo de curiosidades, anécdotas y referencias a obras de todas las artes (una de las propuestas del autor, que tardó unos diez años en escribir la novela, dada la complejidad de cada capítulo, que según el mismo Perec debía albergar un número determinado de referencias).

En la colección Compactos Anagrama hay una estupenda edición traducida por Josep Escuer, que merece la pena para ese lector ávido de grandes novelas que gusta de tener buenas ediciones como un tesoro en su estantería.

La conexión con otros textos es algo muy importante en el arte. El diálogo con la tradición es algo que caracteriza a las buenas obras artísticas. Joan Oleza, como hemos dicho más arriba, relaciona el personaje de don Isaías con Augusto Miquis, de la novela La desheredada, de Benito Pérez Galdós. El mismo Oleza recuerda que Gregorio Olías se parece al Bonifacio Reyes de Su único hijo, la novela de Clarín, si bien con un tratamiento más cercano a Cervantes.

Con la gran novela de Cervantes no hace falta relacionarla: el tío Félix, los amores platónicos, la narración metanovelesca, las referencias directas, todo hace pensar que esta obra tiene muchísimo en común con el Quijote.

También conecta muy bien con el cine: Faroni es un «pastiche asombroso elaborado por el afán de Gregorio Olías con retazos de Humphrey Bogart, de Don Quijote, de los galanes de novela rosa, de Lord Byron y de los tebeos de detectives de la posguerra» (Oleza, 1993: 5). Asimismo, el encuentro del final de la novela se asemeja al final de Casablanca: “este es el principio de una gran amistad”.

Con esta conexión de textos damos por concluido nuestro análisis de una novela merecedora, sin duda, del Premio Nacional de Narrativa en 1990: Juegos de la edad tardía, que inició una encomiable trayectoria de uno de los grandes autores de actualidad: Luis Landero.

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

LANDERO, Luis (2007): Juegos de la edad tardía, Barcelona, MAXI Tusquets

OLEZA, Joan (1993): “Teoría y práctica del afán. Galdós leído en Los Juegos de la Edad Tardía de Luis Landero”, Ínsula, nº 561, pp. 34-36

RUIZ DE AGUIRRE, Alfonso (2005): “El Quijote como hipotexto fundamental en Juegos de la Edad Tardía”, Revista de estudios extremeños, vol. 61, nº 2, pp. 485-536

VILLANUEVA, Darío (1989): El comentario de textos narrativos. La novela, Valladolid, Aceña