Fray Gabriel Téllez, más conocido como Tirso de Molina, fue un genial y prolífico autor de la época barroca en España. Nació en Madrid, el 24 de marzo de 1579, y falleció en Almazán, Soria, el 12 de marzo de 1648. Aunque sea más reconocido por sus obras teatrales, Tirso de Molina también escribió poesía y prosa. Tirso de Molina fue un hijo de padres sirvientes, es decir, provenía de familia más bien humilde, lo que, en parte, le obligó a tomar los hábitos, ya que, como todos sabemos, la iglesia en aquella época (aunque quizás habría que decir los que tenían la suerte de acceder a ella) era sinónimo de “buena vida”. Fue en 1601 cuando tomó los hábitos en el monasterio de San Antolín de Guadalajara. Hasta 1606 no se ordenó sacerdote en Toledo. De su estancia en Toledo sacó los frutos de estudiar Artes y Teología, ya que en esta época fue cuando empezó a componer sus maravillosas obras teatrales. Debido a sus obras, en 1625, el Conde-Duque de Olivares le ordena reclusión en el monasterio de Cuenca por escribir “comedias profanas”, e incluso llega a pedir su destierro. Por suerte, con el paso de los años el pueblo se olvidó del escándalo y poco a poco volvió a hacerse un hueco en la sociedad. Una cosa que me ha llamado bastante la atención de Tirso de Molina (sí, lo admito, acabo de enterarme al reunir información para este artículo) es que fue alumno de Lope de Vega, el genial y maravilloso Lope de Vega, autor de tantas comedias y padre de tantos y tantos hijos.

Se tiene constancia de que escribió al menos sesenta obras teatrales, aunque en una de sus recopilaciones él mismo afirmó que tenía escritas más de cuatrocientas piezas, cosa que aún está por confirmar. Sus obras están caracterizadas por unas tramas excelentemente urdidas, unas obras teatrales puramente barrocas de enredo, de capa y espada, o de cualquier tipo de obra de la época. Tirso de Molina escribía todos los tipos de comedia, y lo hacía bien. Una de las características más llamativas era la aparición de la mujer en sus obras y la personalidad que conseguía plasmar en sus personajes. Sus obras más conocidas son El burlador de Sevilla, El condenado por desconfiado, El vergonzoso en palacio, Don Gil de las Calzas Verdes...

Don Gil de las Calzas Verdes es la obra que hoy vengo a recomendar a vosotros, nuestros queridos lectores. Esta obra es, bajo mi humildísimo punto de vista, una obra maestra. Tuve la suerte de verla representada en el teatro Villamarta, teatro de mi ciudad. En la obra se narran las aventuras de doña Juana, una dama que se ve obligada a disfrazarse del galán don Gil de las calas verdes para ir en busca de don Martín, galán que ha manchado el honor de la familia de doña Juana. Cuando doña Juana se empieza a disfrazar de don Gil de las calzas verdes la obra se convierte en un auténtico caos si no has seguido bien el argumento, ya llega a haber en escena hasta cuatro Giles.

En definitiva, una obra muy entretenida que recomiendo a todo el que esté interesado en algo de literatura. Si en tu ciudad se representa no dudes ni un segundo en ir a verla, te aseguro que no te arrepentirás, se pasa un rato muy ameno e interesante.

Bueno, este libro no es propio para recomendar en el fin de semana porque, entre otras cosas, es un libro que se lee en menos de una hora y porque, además, es una obra clásica, de las cuales no hace falta mencionar nada porque son todas espléndidas, todas dignas de ser leídas y todas, en consecuencia, absolutamente recomendables. Pero voy a detenerme un momento para comentar algunas cosas acerca de esta obra porque ha sido la última que he leído de Eurípides.

El cíclope es una obra de teatro clásica que cuenta en pocas páginas y en una brevedad aún mayor la historia que se narra en el Canto IX de la Odisea, cuando el astuto Odiseo (o Ulises, como quieran llamarlo), después de visitar el país de los lotófagos, desembarca en una isla donde habitan los cíclopes y donde se encuentra con Polifemo, el antropófago hijo de Poseidón, que vive en una caverna. Éste, después de una serie de sucesos relevantes, quiere comerse a Odiseo, pero él le ciega su único ojo quemándolo y al oír al gigante preguntar quién había sido el culpable de aquella desgracia, su respuesta es “nadie”, por lo que al llegar los cíclopes amigos de Polifemo, lo encuentran diciendo que nadie le ha cegado, que nadie le ha atacado. Más adelante revelará Odiseo su verdadera identidad al cíclope, y éste entonces apelará a su padre Poseidón para que acompañe a Odiseo por su larga travesía marítima, provocándole constantes contratiempos en su viaje.

Pues bien, esta obra retoma la historia del poema homérico para satirizar la escena, y varía un poco la historia: unos piratas raptan a Dionisio, y Sileno, padre de los Sátiros y seguidor del dios, parte en su busca, llegando por casualidad a Sicilia, donde vive el cíclope Polifemo, quien aprovecha para exigirles servicios. Odiseo llegará luego y se encontrará con Sileno y sus hijos, y es ahí donde se desarrollará la acción en la que llega el cíclope, habla con Odiseo, se meten en la cueva y después, para vengar la muerte de sus compañeros, Odiseo emborracha al gigante y le quema su único ojo, revelando su identidad de “nadie”, para que suceda exactamente lo que ocurre en el poema de Homero.

Es una obra de teatro bastante entretenida, que se lee en menos de una hora. Se trata de un drama satírico, no es una tragedia. Y como sátira que es, atribuye comentarios irónicos que, en tiempos de Eurípides, por la relación lingüística con los dioses o con algunos mitos clásicos, provocarían carcajadas placenteras en los espectadores.

Me ha parecido una obra muy divertida, y además ha sido un placer leerla en la edición que tengo en mis manos porque es la que editan para el Festival de Teatro de Itálica, cuya traducción es de Francisco Javier Ortolá Salas, mi profesor de Griego Moderno durante este curso académico. Podrán buscar otras ediciones, Cátedra, quizá, porque la que yo tengo es una edición no venal. Pero de cualquier manera la recomiendo vivamente, se divertirán, si les gusta el teatro. Recuerden: Eurípides, El Cíclope, un drama satírico y entretenido.

Este domingo, amigo lector, hemos acudido a uno de los portales de venta de libros a los que más acceden los compradores latinos, y hacemos referencia merecida a la tienda virtual Gandhi, esto con la finalidad de presentarles la lista de los libros más vendidos a la fecha.

Aparecen en los más vendidos en las posiciones de un Top Ten.  Tenemos en la posición número 10 un imprescindible libro académico que ha vendido muy bien en la última semana,  texto manual de las técnicas de investigación.

En el listado también encontramos un polémico libro que trata sobre como los políticos mexicanos, de la gran esfera nacional, acuden ante chamanes, brujos y similares para poder lograr sus objetivos y cumplir sus metas.

No podía faltar en el listado el libro que habla sobre los vampiros modernos, una historia de amor y de no muertos que se ha convertido en best seller desde su salida al mercado. Y todas sus secuelas que acaparan los primeros números de la lista de los más vendidos.

La novela de la escritora,  Elena Sevilla, que trata con dulzura y delicadeza la historia de la profesión más vieja del mundo, la prostitución. Una novela exquisita que pronto se encarga de atrapar al lector.

Otro libro que se logra colocar entre los más vendidos, es sin duda del autor por excelencia de las temáticas mexicanas, Francisco Martín Moreno, que cuenta la historia de cómo el poder político se ha venido rigiendo a través de la bala.

El listado del Top Ten de Libros más vendidos de esta semana es como sigue:

10.- Metodología de la Investigación  -Roberto Hernández Samperi

9.- El niño de la pijama de rayas –John Boyne

8.- México acribillado –Francisco Martín Moreno

7.- De chica quería ser puta –Elena Sevilla

6.- Los brujos el poder –José Gil Olmos

5.- Los cuentos de Beedle el bardo –J. K. Rowlings

4.- Amanecer –Stephenie Meyer

3.- Crepúsculo – Stephenie Meyer

2.- Luna nueva – Stephenie Meyer

1.- Eclipse – Stephenie Meyer

Llego tu canto hermano mío

Del “alepue” hasta mis entrañas

Fue así que escuche tu grito

De corazón y batallas.

Llegaste con almafuerte

De la mano de un amigo

Cantan criollos y mapuches

En un abrazo fundidos.

Y fue así que tu kultrun me enamoró

Y fue así que el viento sur se levantó

Para agitar la memoria de aquel gringo

Que la espalda del tehuelche perforó.

Ya tengo entre mis manos tu garganta

Y tu guitarra y mi tinta nos hermanan

Yo mis halagos dejo ante tu mirada

Y mil coplas que se escapan desde el alma.

Yapay Peñi Rubén! Yapay Peñi!

Quiero brindar por que tu canto es lucha

Y por que mis palabras quieren ser mar

Y guardarte en las memorias hermano mío

Yapay Peñi Rubén!

Por que tu voz se hizo eco

Por que tu voz se hizo Auquinco

Alepue Lugar lejano.
Yapay peñi: Salud.

Auquinco: El eco.

Se encontraba tumbada en la arena, con la brisa acariciando su atezado rostro.

Todo estaba en silencio, tan solo el romper de las olas en la costa. El mar iba mojando sus pies y pequeñas algas, como jirones, se le enredaban en los pies.

Que infinito parece el mundo cuando se es tan pequeña, pensaba. El mar volvía a rugir.

Dime Mar, ¿Por qué eres tan bueno con los hombres? Ellos te explotan, recorren tu lomo a bordo de navíos dejando cicatrices de espuma. Robándote tus peces, escupiendo petróleo, construyendo titanes en tu estructura. Dime Mar, ¿Por qué eres tan bueno? Con tus diáfanas aguas, atrapando el sol de la aurora, esparciéndolo por el mundo. Tuya es la tierra, pero en el fondo, estas atrapado en ella. Entonando la melodía del vaivén de tus olas. A veces te has enfadado, y robas almas en altamar. Pero lo entiendo, se que lo haces para intentar comprender al hombre, para unirte un poco mas a él. Dime Mar, ¿por qué eres tan bueno?.

Sus pensamientos fueron interrumpidos por el sonido de la cámara Polaroid de Pablo. Entonces se levantó y soltando una lágrima sobre la arena, lo abrazó. Los dos caminaron por la costa, mientras el mar seguía rugiendo y borraba sus huellas. Pues nadie puede pasear por las costas sin que el mar devore sus pasos.

A su alrededor, grandes estructuras de hormigón iban conquistando la costa, volvió a soltar otra lágrima. ¿Cuál es el precio de tu reino mar? Pero el mar volvió a rugir y allí empezó la tormenta.

Víctima del silencio

Víctima del silencio,
Allá donde tú estás
Flores secas y un beso,
Nadie te olvidará, por amor
Nada te interesaba,
Sólo querías amor
El calor de un amigo
Y los clubs de New York,
De New York
Con el viento te fuiste
Abrazado al dolor
Con tu magia escondida
Y tus notas ahogadas en un rock
Una noche una noche sin luna
Quedó flotando el final
Tú el Stone solitario, si
Nadie te juzgará, por tu amor
Con el viento te fuiste
Abrazado al dolor
Con tu magia escondida
Y tus notas ahogadas en un rock
En un rock …

He querido empezar este artículo con una canción de Burning (Víctima del silencio) para hacer un homenaje a dos rockeros que han dedicado su vida a la música, y han mostrado la armonía de sus letras en una mezcolanza de sentimientos y vida propia.

Primero hablaré de Pepe Risi(Burning) y autor de la canción que he escrito al principio. Pepe murío hace unos años y dejó un sinfín de grandes canciones, de grandes poesías. Sí poesías, porque Pepe Risi no componía canciones, si no poesía. Cada uno de sus temas, estan cargados de puro sentimiento, un sentimiento oculto en la metáfora y hullendo de las rimas baratas, incluso de las caras. Por eso, quiero animar a todo el mundo a escuchar la música de Burning, porque no sólo estarán escuchando buena música, si no también poesía.

En segundo lugar (y no por ello, menos importante) está Loquillo, pero sin los Trogloditas. Loquillo siempre ha demostrado un gran interés por el cine, el teatro y la literatura. A parte de haber escrito dos libros (“El chico de la bomba”. El segundo todavía no se conoce el titulo) también ha homenajeado a poetas como Jaime Gil de Biedma, Luis Alberto de Cuenca, Octavio Paz, Neruda, etc… en dos discos de poesía. Junto con la ayuda del poeta Gabriel Sopeña, Loquillo dá musica a grandes poemas en dos discos distintos. Los discos son: “La Vida Por Delante” y “Con Elegancia”.

También se ha oido que proximamente saldrá a la venta un nuevo disco de poesía dedicado exclusivamente a Luis Alberto de Cuenca, mientras tanto, seguiremos disfrutando de todos aquellos discos que en treinta años de carrera, nos ha ido obsequiando el Rockero. Un gran artista.

Las luces serpentean por el suelo del Teatro Español como gotas de respetuoso silencio. Alumbran una hilera infinita de asientos ocupados por una audiencia de visón, de perfume caro y gesto serio y adusto. En otros tiempos, de jubón, capa y espada, ese mismo espacio lo pisaban las botas polvorientas de caballeros con mostacho y plumón, con tahalí y el porte envalentonado de quien debía batirse el cobre en las calles del Madrid áureo, padeciendo y disfrutando placeres y sinsabores de una época de cadalsos y comedias; inmersos en la decadencia de un Imperio que aliviaba sus penas, como buenamente podía, con la pluma de Tirso, la religiosidad moralista de Calderón o el ingenio del Fénix de las Letras. El teatro, aquello que Lorca definiera como “poesía que se escapa del libro para hacerse humana”, era entonces, como siempre y más que nunca, la fiesta empática de quienes soñaban con Giles de las Calzas Verdes, con rebeliones populares en Fuente Ovejuna, con príncipes cautivos en costas moras y con todo un universo de arrojo y galantería donde ganaban los buenos y, alguna vez, mandatarios y religiosos inclusive, mordían el polvo los malos.

En aquellos días, al pie de las tablas, expuestos al sol que calentaba Madrid y se reflejaba en los cristales del corral como haces de navaja, los llamados “mosqueteros” trinaban enfervorecidos, imitando con su griterío el retumbar de los mosquetes. Eran espectadores modestos, de baja ralea, que asistían a las representaciones en pie y amontonados en los patios polvorientos. Para ellos, y para todos los demás, la comedia era entonces el opio de un pueblo abatido, un motivo de celebración entusiasta, la excusa para congregarse semana tras semana, representación tras representación, entre las banquetas de la cazuela, los palcos de la tertulia o el gentío que se arremolinaba a lo largo del patio.

Aquella suerte de partido, donde en vez del balón se sorteaba el verso, donde en vez de pases largos se servían sonetos y silvas, creó monstruos y mitos, engrandeció nombres y dio alas a la aparición de “hooligans” de la palabra; fanáticos de una u otra compañía que podían favorecer o boicotear a su antojo cualquier representación. Eran los “chorizos” y “polacos”.

Partidarios, respectivamente, de las compañías estables de los Corrales del Príncipe y de la Cruz, las sonadas contiendas entre ambas facciones de “mosqueteros” traspasaron los siglos, y allá por el XIX, mas de cien años después del languidecimiento definitivo del teatro popular de rumor y alboroto, de las obras en los patios de las casas, Rafael Ajenjo Barbieri quiso reunir su espíritu bullanguero en una zarzuela que fue, quizás, un nostálgico guiño de un teatro acorralado en cuidados coliseos italianos hacia la comedia del pueblo, hacia un lugar y un momento donde no reinaran reglas de Poética ni mandatos de Aristóteles, donde no había que descorrer telón y todo estaba descubierto. Era una última referencia del defenestrado género chico hacia su padre del pasado, hacia quien le enseñara que el teatro, como la vida, era provechoso si se basaba en la felicidad. En el trasvase de siglos entre el XVII y XVIII, sirviéndose de las ideas propuestas por la Ilustración, el teatro español padece la reforma promovida y defendida hasta la extenuación por intelectuales como Mariano Jose Nipho, Jovellanos o Leandro Fernández de Moratín, que acaba con la figura de estos espectadores espontáneos e incluso gamberros, que idolatraban las declamaciones de actores como Juan Ponce o Mariana Alcázar igual que otros admiran el regate de Messi; que veían en las compañías sentimientos que defender con la pasión que se defiende a un club, con la furia con la que los futboleros resquebrajan sus gargantas.

Con la reforma del Corral del Príncipe en 1745 y el aluvión de invectivas que inunda al teatro español hasta 1827 (Poética de Martínez de la Rosa) la reforma arquitectónica de los centros escénicos conlleva la desaparición de estos personajes, sembrándose en los patios hileras de butacas, dejando su recuerdo a menciones inexactas como ésta, negando al teatro su carácter popular y dándoselo para siempre a la levita y la corbata, a quienes en vez de con la verdad del grito o el alboroto, matan al arte con la hipocresía y la arrogancia.